/Top 10 | Os grandes bateristas do rock e do jazz

Top 10 | Os grandes bateristas do rock e do jazz

Compartilhe

Quantas estrelas merece esse texto?

O que faz alguém ser um grande baterista? Será o swing? Será o ritmo? Será a qualidade com os pedais? Ou será a junção de todas técnicas do instrumento? John Bonham é esse cara, ele possui todas as técnicas. Ontem (31), o lendário baterista do Led Zeppelin, completaria 70 anos se estivesse vivo. E, para homenageá-lo, decidimos fazer uma lista com os grandes bateristas do rock e do jazz. Então vamos lá:

10 – Dave Grohl – Nirvana, Foo Fighters e Them Crooked Vultures

A bateria implacável e vigorosa de Dave Grohl – forjada na cena punk no final dos anos oitenta e início dos 90, em Washington D.C. – foi a explosão perfeita para levar o Nirvana de Seattle, a ícones do rock. “Kurt me ligou e disse: ‘Eu tenho o melhor baterista do mundo agora. Ele toca mais alto e mais forte do que qualquer um que já conheci'”, disse o produtor do álbum Nevermind, Butch Vig, ao biógrafo de Grohl, Martin James. “E disse: ‘Sim, certo’ Mas eles estavam totalmente certos… Não havia microfones [na bateria] nesta sala e ela estava tão alta quanto os amplificadores! ” Grohl aperfeiçoou seu estilo único nos subúrbios de DC tocando almofadas com grossas baquetas: “É por isso que comecei a bater a bateria com tanta força”, disse ele a Spin em 1997, “brincando com travesseiros, empurrando para baixo e puxando para cima com essas porras de morcegos ouvindo ‘Violent Pacification’ da DRI eu faria isso até que as janelas do meu quarto estivessem pingando com a condensação do suor no quarto. Era como uma fita de treino”.

Dave Grohl continuou a produzir peças memoráveis ​​com sua própria banda, Foo Fighters (“Everlong”, “My Hero”), assim como em discos do Queens of the Stone Age, Juliette and The Licks, e Them Crooked Vultures.

09 – Elvin Jones – John Coltrane, Charles Mingus, Thad Jones e Hank Jones

Indiscutivelmente o mais influente baterista de jazz, Elvin Jones (1927-2004) transformou o mundo da bateria em 1960, quando se juntou ao quarteto contundente e espiritualmente orientado do saxofonista visionário John Coltrane. Nunca antes um baterista tocou com uma batida tão apaixonada e desenfreada, e a abordagem não convencional de Jones ao solo empurrou o ritmo para um caminho mais liberal e expressionista, que mais tarde se tornaria uma prática padrão durante o movimento Free Jazz do final dos anos 60. Os trigêmeos de marca registrada de Elvin, frases assimétricas e padrões de passeio quebrados causaram um impacto duradouro em todos, desde os grandes do jazz Jack DeJohnette e Peter Erskine até os pioneiros do rock clássico e progressivo Ginger Baker e Bill Bruford. “Ele nos mostrou que havia mais na bateria do que manter uma batida”, disse Bruford em 2004. As gravações de Jones com Coltrane permanecem tão modernas e evocativas hoje como no dia em que foram lançadas, e os vários álbuns que Elvin tocou como sideman, com Wayne Shorter, Joe Henderson, Larry Young, McCoy Tyner, Tommy Flanagan e outros.

“Não há nada de novo na contagem do tempo, é que algumas pessoas conseguem manter um tempo melhor do que outras”, disse Jones à Down Beat em 1977. “Algumas pessoas são mais sensíveis a pulsos rítmicos e quanto mais sensível você é, mais você pode utilizar as sutilezas da marcação do tempo. ”

08 – Mitch Mitchell – The Jimi Hendrix Experience

“Ele tocou o kit como uma música, foi maravilhoso”, disse Roger Taylor, baterista do Queen, elogiando a “fusão da técnica jazzística e riffs maravilhosos” de Mitch Mitchell, mas com esse ataque feroz no kit inteiro … Integração total na música, não apenas marcando o tempo “. E Stewart Copeland, do The Police, admitiu: “Todas as coisas que fiz e que me orgulho, foram as que achei. Mas não, eu comprei do Mitch.” No entanto, em 1966, quando chegou a hora de escolher um baterista para o Jimi Hendrix Experience, a decisão foi literalmente um lance-up – uma moeda foi virada para escolher entre Mitch Mitchell e Aynsley Dunbar. Mitchell venceu, e este discípulo de Elvin Jones trouxe uma forte qualidade de improvisação ao power trio de Hendrix, tipicamente construindo um groove tenso e pesado, desviando-se para um contraponto fluido e estruturado a guitarra de Jimi.

Não apenas mantendo Jimi Hendrix por trás de si mesmo, mas levando o guitarrista a um nível ainda mais alto com sua bateria febrilmente ativa – e reativa -, Mitch Mitchell garantiu seu lugar de direito em qualquer lista de grandes bateristas.

07 – Gene Krupa – Benny Goodman

“Ele foi o primeiro baterista de rock, de muitas maneiras”, Neil Peart disse à NPR sobre Gene Krupa em 2015. “Ele foi o primeiro baterista a comandar os holofotes e o primeiro baterista a ser referenciado por seus solos … Ele fez fundamentalmente coisas fáceis, mas sempre as fez parecer espetaculares “. Influenciado pelos bateristas de New Orleans Baby Dodds e Zutty Singleton – levaram a inovadora banda de Thirties, de Benny Goodman a novas alturas e no processo inspirou uma geração de futuros gigantes do rock, incluindo Keith Moon e John Bonham. Junto com Buddy Rich, seu oponente em batalhas de bateria épicas, Krupa é o padrinho da arte de bateria como esporte e espetáculo.

A ainda próspera tradição do showstopping, a estrela do baterista em escala de arena, de “Moby Dick” de Bonham ao “The Rhythm Method” de Peart, tudo isso é impensável sem ele. As inovações da Krupa nas décadas de 1930 e 40 – da popularização do “recurso de bateria” ao estabelecimento da configuração básica de bateria – continuam sendo a base da nossa arte até hoje.

06 – Tony Williams – Miles Davis e The Tony Williams Lifetime

Miles Davis arrebatou Tony Williams (1945-1997) da banda do saxofonista Jackie McLean quando o prodígio baterista tinha apenas dezessete anos, e imediatamente fez dele o ponto focal de um novo quinteto, que incluiu Herbie Hancock no piano, George Coleman no saxofone substituído por Wayne Shorter) e Ron Carter no baixo. As gravações de estréia de Williams com Davis, o álbum de estúdio “Seven Steps to Heaven” e o disco duplo ao vivo The Complete Concert 1964: Four & More / My Funny Valentine, são o estudo final das costeletas super-humanas de Tony, tempo propulsivo e abordagem rítmica aventureira. Tão influenciado pelos Beatles como por Charlie Parker, Williams deixou a banda de Davis em 1968 para liderar seu próprio grupo, Lifetime, que combinava improvisação de jazz com grooves mais pesados, guitarra e órgão.

No final de sua carreira, Tony retornou ao formato de quinteto acústico, compondo músicas para sua própria banda, fazendo reuniões de estrelas com ex-alunos da Davis e apoiando jovens leões como Wallace Roney, Branford Marsalis e Wynton Marsalis durante o difícil. -bop revival da década de 1980. “Para mim, não apenas ele era um técnico mestre, um baterista mestre, o inovador da época, mas também, ele era um inovador”, disse Cindy Blackman sobre Williams. “Ele tinha tantas coisas que elevavam o som e o nível de habilidade necessário para tocar esse tipo de música.”

05 – Buddy Rich – Jazz at the Philharmonic, Ella Fitzgerald e Louis Armstrong

Se o autor de Outliers, Malcolm Gladwell, está certo em sua famosa teoria de que leva dez mil horas, ou vinte horas por semana durante dez anos, para dominar qualquer habilidade, Buddy Rich (1917-1987) era ainda mais mágico do que pensávamos. O que Gladwell faria das “armadilhas, a maravilha do tambor” de dezoito meses, a peça central do vaudeville de seus pais e uma das estrelas infantis mais bem pagas da época? Aos onze anos, Rich lideraria seu próprio grupo profissional. Por volta das vinte e cinco, ele estava bem a caminho de aparecer com quase todas as grandes estrelas de big band do dia, e era indiscutivelmente o rei da bateria.

Enquanto liderava suas próprias grandes bandas, tornou-se conhecido como um duro capataz. Mas sua responsabilidade final sempre foi para o público, especialmente ao vivo. O comprometimento de Rich em colocar seu grupo na frente das pessoas, mesmo nos momentos menos tolerantes financeiramente, foi total. E ele literalmente levou a música para eles, muitas vezes aparecendo em escolas e faculdades.

“Buddy era um sábio”, disse Jim Keltner em uma reportagem de capa da Modern Drummer de dezembro de 2012 sobre Rich. “Tudo sobre ele estava acima de todos os outros.” “Seu balanço era absurdo”, acrescentou o grande Antonio Sanchez, “e sua sensação e uso de dinâmica foram notáveis.” Buddy era um gênio técnico, disse a estrela do jazz contemporâneo Terri Lyne Carrington . “Seus solos eram pura composição. E sim, ele era um baterista de show, mas ele fez isso com integridade. Buddy é importante”.

04 – Ginger Baker – Cream, John Mayall & the Bluesbreakers e Ginger Baker’s Air Force

Dotado de imenso talento e amaldiçoado com temperamento, Ginger Baker combinou treinamento de jazz com um poderoso estilo polirrítmico no primeiro e melhor power trio do mundo. Enquanto brigava constantemente com os colegas de banda do Cream, Jack Bruce e Eric Clapton, o baterista nascido em Londres apresentou o showmanship ao mundo do rock com virtuosismo de chute duplo e solos estendidos; seus tambores de ângulo reto, plataformas de baixo duplo espalhadas e preenchimentos de tom pulsantes continuam sendo a marca registrada da lenda. Após o rompimento, Baker mudou-se para a Nigéria por vários anos nos anos setenta. “Ele entende a batida africana mais do que qualquer outro ocidental”, declarou Tony Allen, co-criador do Afrobeat.

Nos anos seguintes, Baker manteve-se ocupado com uma impressionante variedade de projetos, ostentando sua bravura de assinatura, entranhas intrinsecamente trançadas no subestimado Baker Gurvitz Army em meados dos anos 70, combos de jazz apresentando solistas como Bill Frisell e colaborações convincentes com a Public Image Ltd e a Masters of Reality.

03 – Neil Peart – Rush

Quando Neil Peart fez o teste para o Rush em 1974, seus colegas de banda ouviram nele a chance de abraçar a imensa qualidade dele. “Ficamos tão impressionados com a atuação de Neil”, lembrou o guitarrista Alex Lifeson em uma entrevista no início deste ano. “Foi muito parecido com Keith Moon, muito ativo, e ele bateu sua bateria com tanta força.” Ironicamente, a grande contribuição de Peart para a bateria de rock se tornaria exatamente o oposto estético de Moon: a percussão mais precisa e meticulosamente traçada que o gênero já viu. À medida que as ambições de alto progresso do Rush floresciam nos meados dos anos 70, Peart revelou-se tanto um artesão obsessivo quanto um artista ambicioso – traços que também surgiam em suas letras fantásticas – usando instrumentos esotéricos como sinos de orquestra, quarteirões de templos e tímpanos para polir suas partes barrocas para músicas como “Xanadu” e “The Trees”. Como a música da banda foi aperfeiçoada nos anos oitenta, através de obras-primas transicionais como o álbum Moving Pictures e um som mais pop. Ele começou a incorporar com bom gosto a percussão eletrônica e a buscar inspiração em inovadores como Stewart Copeland.

O trabalho recente de Rush, como o Clockwork Angels,de 2012, apresenta alguns dos melhores trabalhos de Peart: uma incrível unidade de inteligência e força muscular. Enquanto isso, apesar de sua recente aposentadoria da turnê, Peart continua sendo talvez o mais reverenciado baterista ao vivo em todo o rock.

02 – Keith Moon – The Who

O “maior baterista do tipo Keith Moon do mundo”, como ele mesmo descreveu, detestava a repetição da percussão mecânica – assim como a repetição da vida em geral. Moon, foi inspiração para o personagem Muppets Animal, ele destruiu kits de bateria e quartos de hotel com uma ferocidade, sugerindo que ele era mais artista performático do que “meros paus”. Ele se recusou a tocar solos de bateria e, em vez disso, tratou a bateria como o instrumento principal do The Who. “Seus intervalos foram melódicos”, disse o baixista John Entwistle à Rolling Stone, “porque ele tentou tocar com todos da banda de uma só vez”. “Keith Moon, ele é realmente orquestrado, como um jogador de tímpanos ou um jogador de pratos em uma orquestra”, disse Stephen Perkins, do Jane’s Addiction. “Ele está fazendo você saber que esta é uma parte importante, mesmo que não seja exatamente no final dos quatro compassos. Eu amo esse drama, esse teatro e eu amo a emoção”.

O toque de Keith Moon (1946-1978) foi extremamente diferente do da maioria dos bateristas, porque Keith Moon era extremamente diferente da maioria dos bateristas. Em sua autobiografia, o guitarrista e compositor Pete Townshend acaba com as percepções errôneas comuns ao afirmar que Moony manteve o tempo junto a sequências como a do clássico “Baba O’Riley”.

01 – John Bonham – Led Zeppelin

No primeiro corte do primeiro LP do Led Zeppelin, John Bonham mudou a bateria para sempre. Anos mais tarde, Jimmy Page ainda se divertia com o impacto desorientador de que “Good Times Bad Times”, com seus soluços de baixo no baixo-falante, tinha nos ouvintes: “Todo mundo estava apostando que Bonzo usava dois bumbos, mas ele só tinha um.” Pesado, alegre, virtuosístico e deliberado, aquela performance mostrava o terreno que a astuta espancada de Bonham conquistaria antes de sua morte prematura em 1980. Em seu mais brutalmente paleolítico, ele nunca espancou asperamente, em seu mais ritmicamente estupidificante ele nunca se curvou a palavrões desnecessários, e todos os Na noite em turnê, ele se esquivou das duas armadilhas com sua gloriosa debandada através de “Moby Dick”. “Passei anos no meu quarto – literalmente fodendo por anos – ouvindo a bateria de Bonham e tentando imitar seu swing ou sua arrogância por trás de sua velocidade ou poder”, escreveu Dave Grohl na Rolling Stone, “não apenas memorizando o que ele fez nesses álbuns, mas me metendo em um lugar onde eu teria a mesma direção instintiva que ele. ” Este era um curso que quase todos os bateristas pós-Bonham seguiam de uma vez ou outra, uma busca que permitia aos maiores encontrarem seus próprios grooves.

Bonham morreu jovem, aos 32 anos, interrompendo repentinamente um dos atos mais extraordinários da história do rock, e o fato de ele raramente fazer entrevistas só alimentou sua mística nas décadas seguintes. O que temos do homem, no entanto, é uma tonelada de músicas preciosas. Os oito álbuns de estúdio do Led Zeppelin mostram um baterista muito dinâmico e muito diversificado, definindo para as idades backbeats otimizados (“Black Dog”, “Kashmir”); roqueiros que batem fogo e batem os pés (“The Wanton Song”, “Achilles Last Stand”); super slow blues (“Since I’ve Been Loving You”, “Tea for One”); e números acústicos e luminosos de sombra e sombra (“Ramble On”, “Tangerine”). E o DVD da mesma música e do Led Zeppelin de dois discos permite que quem nunca viu a banda se juntar a Bonham em suas aventuras no palco; desde a temível e vigorosa presença dos primeiros dias até o robusto roqueiro inglês de chapéu de boliche de 1979, Bonzo é o maior e melhor baterista que já passou pela terra.

 


Compartilhe

21. Estudante de Ciências Sociais. Apaixonado por música, cinema e literatura russa.